Sergueï Eisenstein était un cinéaste soviétique actif à l'époque du cinéma muet, qui a réalisé plusieurs films innovants et influents qui restent des références du cinéma mondial. Ses projets les plus célèbres incluent Grève et Cuirassé Potemkine, qui ont tous deux déployé des techniques de montage de pointe. Eisenstein est notamment célèbre pour ses théories sur le montage, qui ont été rapidement adoptées par les réalisateurs ultérieurs.

Eisenstein a principalement travaillé pour l'État soviétique, la majorité de ses films sont donc des œuvres de propagande. Néanmoins, les meilleurs d’entre eux sont étonnamment complexes et suscitent souvent la colère des autorités mêmes qui les ont commandés. Bien sûr, les films d’Eisenstein sont aujourd’hui plutôt datés, mais ils restent des œuvres clés de l’histoire du cinéma. Les regarder permet de mieux apprécier le chemin parcouru par le médium au cours du siècle dernier, ainsi que le rôle important joué par Eisenstein dans son évolution. Ce sont les meilleurs de ses projets, classés par les utilisateurs d'IMDb.

dix « Romance sentimentale » (1930)

IMDb : 6,5/10

Romance sentimentale est un film français de 20 minutes réalisé par Eisenstein en collaboration avec Grigori Alexandrov, un autre cinéaste soviétique de premier plan. C'est un projet expérimental sans narration. Il s'agit plutôt d'un montage d'images, commençant par des scènes violentes de la nature comme des vagues déferlantes et des arbres qui s'effondrent, avant de devenir progressivement plus paisibles avec des plans de nuages ​​et de prairies balayées par le vent. Finalement, nous voyons des plans intérieurs d’une femme chantant une chanson russe au piano.

Le tout est très abstrait, méditatif et mélancolique. Cela vaut seulement la peine d'être vérifié pour la valeur de la curiosité, bien que les visuels soient pris par un collaborateur fréquent d'Eisenstein. Édouard Tissé sont souvent impressionnants. La partition par Alexis Archangelski est également émouvant et immersif, un complément parfait à l’imagerie. Le résultat est essentiellement un poème cinématographique, véhiculant diverses ambiances et laissant le reste à l'interprétation du spectateur. Romance sentimentale n'est pas un chef-d'œuvre, mais c'est une preuve supplémentaire de la créativité et de la volonté d'expérimenter d'Eisenstein.

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9 'Cosse Bezhin' (1937)

IMDb : 6,7/10

Cette œuvre de propagande soviétique se concentre sur un jeune garçon de ferme nommé Stepok (Viktor Kartachov) et son père (Boris Zakhava). Mécontent du gouvernement, le père décide de saboter la récolte de cette année-là, mais Stepok dénonce les crimes de son père aux autorités par loyauté envers l'État soviétique. Le film est essentiellement une célébration du fait d'être un informateur du gouvernement, mais le gouvernement soviétique a arrêté la production avant qu'elle ne soit terminée. Ils l'accusèrent d'être un échec artistique et politique.

En conséquence, le film a longtemps été considéré comme perdu, même si des fragments ont survécu et ont été montés ensemble pour créer une version regardable (bien qu'incomplète) du projet. Depuis lors, Cosse Béjine a fait l'objet de nombreuses analyses académiques, notamment autour de son utilisation de l'iconographie religieuse et des thèmes du bien et du mal. Par exemple, dans une scène, le père de Stepok cite la Bible en disant : « Si le fils trahit son père, tue-le comme un chien ! Peut-être que le gouvernement soviétique a arrêté la production du film parce qu'il estimait qu'il était plus complexe que le simple film de propagande qu'il avait demandé.

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8 « Ancien et nouveau » (1929)

IMDb : 7,2/10

Vieux et nouveau (aussi connu sous le nom La ligne générale) est une célébration de la politique agricole du gouvernement soviétique et de la collectivisation des fermes. L'intrigue suit Martha (Marthe Lapkina), une jeune paysanne qui, inspirée par les idéaux de la Révolution d'Octobre, transforme sa ferme en ferme collective. Elle rejoint quatre autres agriculteurs et, ensemble, ils surmontent plusieurs obstacles pour faire de leur entreprise un succès.

Eisenstein photographie les tracteurs, les outils et les animaux de la ferme avec un regard poétique, comme s'ils étaient magiques ou totémiques. Il fait également preuve de ses muscles en matière de montage, avec un montage rapide et une utilisation intensive du montage. Tout en valorisant les nouvelles technologies agricoles, le film présente également certaines des anciennes méthodes agricoles sous un jour approbateur, ce qui en fait une autre déclaration quelque peu contradictoire d'Eisenstein. Cela reste une curiosité intrigante, surtout compte tenu de l’échec désastreux de nombreuses fermes collectives soviétiques.

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7 « Vive le Mexique » (1979)

IMDb : 7,4/10

Eisenstein a commencé à travailler sur ce projet d'avant-garde en 1930 à la demande de l'auteur socialiste américain. Upton Sinclar, mais il n'a jamais été terminé, n'ayant été assemblé que sous une forme regardable en 1979 par Grigori Alexandrov. Le film est une plongée profonde dans l’histoire mexicaine et dans divers aspects de la culture et des traditions du pays. Il s'intéresse à l'ancienne civilisation maya, à l'ère coloniale espagnole ainsi qu'à la révolution mexicaine du début du 20e siècle. Sont également présentées diverses célébrations catholiques et les festivités du Jour des Morts.

La production a été en proie à des problèmes, notamment des coûts exorbitants et un manque de communication entre Eisenstein et Sinclair. Ce dernier souhaitait que le film soit une sorte de récit de voyage, mais Eisenstein s’est clairement lancé dans une vaste étude culturelle. Les morceaux survivants du film ont généralement été salués pour leurs images puissantes et leur plongée profonde dans la complexité culturelle et religieuse du pays.

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6 « Octobre (Dix jours qui ont secoué le monde) » (1927)

IMDb : 7,4/10

Octobre (Dix jours qui ont secoué le monde) a été réalisé pour commémorer le 10e anniversaire de la Révolution d'Octobre en Russie. Cette insurrection armée, dirigée par LénineLe Parti bolchevique de Russie a été un événement clé dans la chute de la monarchie russe, la guerre civile russe qui a suivi et la création éventuelle de l'Union soviétique. Le film est une dramatisation de la Révolution, commençant avec le retour d'exil de Lénine en Russie et se terminant avec l'établissement d'un nouveau gouvernement dans le pays.

Esthétiquement, Eisenstein a innové avec le film. Il a notamment introduit la technique qu'il a appelée « montage intellectuel », qui consiste à éditer des plans d'objets apparemment sans rapport pour établir une comparaison intellectuelle entre eux. Dans Octobre, il existe un tel montage remarquable de personnalités religieuses. Cela commence par une peinture de Jésus, puis passe à des images de dieux hindous, de Bouddha, de divinités aztèques et enfin une idole de pierre rudimentaire. La scène vise à critiquer les croyances religieuses et à faire valoir que toutes les confessions sont essentiellement les mêmes. Cela était conforme à l’idéologie laïque officielle du régime soviétique.

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5 « Alexandre Nevski » (1938)

IMDb : 7,5/10

Ce drame historique se déroule au XIIIe siècle et est centré sur le légendaire héros russe, le prince Alexandre Nevski (Nikolaï Tcherkassov), qui conduit son peuple à repousser une invasion des chevaliers teutoniques et de leurs alliés. C'est une véritable épopée, culminant dans une séquence de bataille décisive à la surface d'un lac gelé. Alexandre Nevski est remarquable pour être le premier film sonore d'Eisenstein et l'un de ses projets les plus populaires en sortie.

Ce n'est pas aussi expérimental que ses autres œuvres, mais il est ambitieux dans son ampleur, en particulier pour la bataille finale. Elle dure trente minutes et constitue l'une des plus belles batailles à l'écran des années 1930. En outre, Alexandre Nevski, avec son récit sur un dirigeant russe repoussant les envahisseurs étrangers, a été interprété comme une allégorie sur les relations de l'Union soviétique avec l'Allemagne nazie. Elle a été réalisée à une époque où les relations entre les deux États étaient très tendues, préfigurant l’invasion nazie quelques années plus tard.

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4 « Grève » (1925)

IMDb : 7,6/10

Situé en 1903, Grève raconte l'histoire d'un groupe d'ouvriers d'usine qui, confrontés à des conditions de travail oppressives et à de bas salaires, décident de se mettre en grève. Le gouverneur envoie l'armée pour réprimer les travailleurs, ce qui conduit à une confrontation brutale. Le film est un excellent exemple de la maîtrise d'Eisenstein en matière de montage, et notamment de l'utilisation du montage métaphorique. Ici, il croise des scènes de coups d'ouvriers avec des plans d'animaux abattus. De même, une autre scène montre des ouvriers harcelés par des policiers, à côté d'un plan d'un homme riche pressant le jus d'un citron.

Grève était le premier long métrage d'Eisenstein après des années de travail au théâtre, et c'est un début impressionnant. Le montage a été influent et le film est généralement tenu en haute estime. En particulier, la plupart des critiques le considèrent comme l'un des films les plus accessibles d'Eisenstein et donc un bon point de départ pour les nouveaux venus dans sa filmographie. Il est également relativement court, avec seulement 82 minutes.

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3 « Ivan le Terrible, première partie » (1944)

IMDb : 7,7/10

Ceci est la première entrée de l'épopée historique en deux parties d'Eisenstein sur le tristement célèbre tsar russe. Ivan IV (Nikolay Cherkasov). Il dépeint l'accession au pouvoir d'Ivan et son début de règne, marqué par des intrigues politiques, des complots et des luttes pour le contrôle. Plus précisément, le récit se penche sur les tentatives d'Ivan pour consolider le pouvoir, ses conflits avec la noblesse russe et la formation de l'Oprichnina, une force politique et militaire controversée.

Le film est résolument maximaliste, avec des décors massifs et des costumes élaborés pour capturer toute la pompe et les circonstances de l'époque. Cela ressort clairement de la scène d’ouverture, qui se déroule dans une salle du trône ridiculement grande. Le style de performance est à juste titre exagéré et plus grand que nature. Une fois de plus, Eisenstein joue avec les symboles, par exemple en représentant Ivan comme un oiseau. Il utilise également la couleur de manière intéressante. Presque l’intégralité du film est en noir et blanc, à l’exception des dix minutes charnières vers la fin qui sont en technicolor vif.

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2 « Ivan le Terrible, Partie II : Le complot des boyards » (1958)

IMDb : 7,8/10

Le deuxième volet se concentre sur le conflit d'Ivan IV avec les boyards, une partie de la noblesse russe opposée à son règne. Tandis qu'Ivan tente de confisquer les terres des boyards et de saper leur pouvoir, ceux-ci recrutent des assassins pour l'assassiner. Le film approfondit un peu la psychologie d'Ivan IV, avec des flashbacks sur son enfance, tout en restant aussi exagéré et fleuri que le premier.

Comme dans le premier film, Eisenstein utilise la photographie couleur pour une scène clé où Ivan autorise temporairement son cousin et challenger Vladimir (Pavel Kadochnikov) pour se faire passer pour l'empereur. Le résultat est un spectacle historique audacieux, qui n’est peut-être pas agréable à regarder, mais qui reste une œuvre importante dans l’histoire du cinéma d’Europe de l’Est. Malgré la commande du film, les autorités communistes n'étaient pas satisfaites du produit fini, considérant peut-être le portrait d'Ivan comme une critique voilée de Staline. Il fut achevé en 1944, mais le gouvernement le supprima jusqu'en 1958.

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1 « Cuirassé Potemkine » (1925)

IMDb : 7,9/10

Cuirassé Potemkine dramatise une mutinerie réelle qui a eu lieu en 1905 à bord du cuirassé russe Potemkine, où les marins se sont rebellés contre les officiers oppressifs. L'équipage submerge ses supérieurs, jetant nombre d'entre eux par-dessus bord et prenant le contrôle du navire. Ils naviguent jusqu'au port d'Odessa, où les habitants les accueillent en héros. Cependant, des soldats sont bientôt envoyés pour mettre les marins au pas et réprimer les citoyens indisciplinés.

Cuirassé Potemkine est de loin le film le plus marquant d’Eisenstein. Il est enseigné dans les cours de cinéma du monde entier en raison de son utilisation pionnière du montage. À cet égard, le film a joué un rôle clé dans le développement de la grammaire cinématographique. Il est également célèbre pour la séquence emblématique prise sur les marches d'Odessa, où des citoyens émeutiers sont massacrés par des soldats. Ce massacre n’a jamais eu lieu, mais la scène a néanmoins été immortalisée dans l’histoire du cinéma. Le summum du cinéma muet soviétique, Cuirassé Potemkine a été cité comme favori par un large éventail de réalisateurs, notamment Billy Wilder, Orson Welles, Michael Mannet Paul Greengrass.

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